TIM HOLEHOUSE VS. MATT EPP

VIERNES 25 MAYO 2012 MADRID

Fotomatón Club – Pza. Conde Toreno, 2 – 21:30 hs. Tickets 7 € / 9 €

www.ticketea.com/timholehouse-mattepp

Sensacional duelo entre dos despiadados creadores de folk, blues & r’n'r!!

TIM HOLEHOUSE (Reino Unido) contra MATT EPP (Canadá) 25 de Mayo en Madrid (España).

Evento irrepetible. Aforo limitado.

La primera hora de Bob Wayne en la sala Gruta 77 hace ya unos cuantos días fue demoledora. Y la segunda, aunque por varios motivos puede considerarse más irregular, por menos intensa, tuvo también sus momentos bien certeros, por ejemplo cuando interpretaron “La Diabla”, con ese toque entre cómico y siniestro con el que Bob Wayne interpreta a veces sus canciones.

Pero vayamos por partes. Bob Wayne. Bob Wayne y Hank Williams III. Dos nombres que van juntos. Tal vez el segundo más talentoso, tal vez el primero el pionero en hacer las cosas a su manera. Me refiero, de facturar el country a su manera. Y el pistoletazo de salida en el concierto con “Till The Will´s Falls Off”, la canción que da título a su último disco es un grandísimo ejemplo de la locura de la primera hora y de ese estilo. No sé si el sonido que hace en la canción quiere simular el de un tren, mito legendario del country, o a un camión de esos mastodónticos que surcan las carreteras norteamericanas, el caso es que por la envergadura, intrepidez y dureza, podría haber sido cualquiera de los dos. Y aunque no fue en todo momento así, con eso me refería a que en la primera hora al menos lo parecía. Creo que es la vertiente que más disfruto de ambos, Hank III y Bob Wayne: la de alterar el country hasta el nivel de que el hardcore, trash o cualquier estilo de sonido más contundente, por comparación, queden como si fuesen tocados por la señorita Pepis en una reunión de té.

Y el resultado fue así con una banda dispar en aspecto pero no en acierto. Violín y guitarra fundamentales a la hora de los solo. El guitarrista (Ryan Clackner), pese a parecer haber salido de un antro infecto de cualquier lugar, parecía un hermano pequeño de Dimebag Darrel dedicado al country-rock en cuerpo y alma. Eché de menos que se dejase llevar un poco más en algunos momentos porque es de esos tipos que parece que acaricia la guitarra (pese a su aspecto) pero está claro que el jefe manda y había que dejar espacio para los solos de violín a lo largo de las canciones que en general oxigenaban éstas. Gran momento, cuando Liz Sloan, violinista, tras un fallo al iniciar el solo, con gesto decidido (y con cara: “Ahora veréis”) se arrancó con todas las ganas del mundo a dejarse los dedos en el arco. Y lo consiguió.

Bob Wayne captó muy bien al público, tanto en su algarabía inicial, como en el decaimiento (por cansancio en algunos momentos), como en la estimación de la petición de canciones por parte de algunos corpúsculos de la multitud. Nos provocó (algo con lo que suele jugar) diciendo que el puede tocar y tocar hasta que cayésemos rendidos. Y lo cumplió. En la segunda mitad, nos consiguió levantar a veces (otras, menos). Bromeó en todo momento. Se acordó de su odio a las canciones de amor así como a la policía, su amor por Hank Williams III, los camioneros y las drogas y así se cumplieron las dos horas en las que brillaron del lado más pausado canciones como “Ghost Town” de un cancionero que, tal y como recalcó, se compuso exclusivamente de canciones compuestas por él, nada de versiones. Y con todo, algunas de las más cachondas y de las más cafres fueron las pertenecientes al mencionado último disco, por ejemplo “There Ain´t No Diesel Truck In Heaven” o “Fuck the Law”.

Bob Wayne, autoeditándose en sus tres primeros discos (”Blood to Dust” el primero, a recomendar), ha llegado a un gran momento, y, sí, puede que su country rebelde no tenga los matices de los clásicos como Jennings, Kristofferson o Cash, puede que lo suyo sea más “sal gorda” a la hora de interpretar las canciones, pero indudablemente, está acompañando esos platos-temas con una personalidad que muchas veces nos sirve ardiendo y con mucha pimienta. Te hace sentir, al menos en directo, que resultan gratamente únicas.

Foto y Texto: Rock in Chains

Formaron parte del aluvión “indie” de los 90 ya es su tramo final, sobrevivieron a ello, y después de ocho discos se sitúan como grupo de referencias del pop español sin etiquetas. No ha sido fácil, pero se han mantenido a flote dentro de la vorágine de volátiles modas, estilos, tendencias… que cada vez más fugazmente pasan por nuestros oídos.

La fórmula es sencilla… pero no fácil. Trabajo, constancia y sobre todo convicción ciega en lo que hacen, ni más ni menos que canciones sin adjetivos. En este disco de nuevo se cuelan una buena colección de ellas.

Encontramos guitarras energéticas como “Hundir la flota” o “”Caerán los bancos”, dos excitantes himnos pop que desde su primera escucha se suponen indispensables del repertorio en directo. Paradigma ambas del espíritu que emana del disco, pues en las letras se lanzan más que nunca a un lenguaje directo, sin tapujos, lejos de los símbolos y metáforas que tan buen resultado les ha dado en otras canciones y discos. La primera habla de un renacer colectivo ante la dura situación social y la segunda es una auténtica canción protesta de rabio punk. Dos canciones enérgicas y positiva pero tomando partido, con la realidad por delante. Denuncia y enfado que se trasforman en óptimo espíritu de superación. Ese es valor de este disco.

“La puerta”, “El miedo”, “El infierno”… hablan de romper con todo, de los miedos individuales y colectivos, de las relaciones rotas… en un agridulce medio tiempo marca de la casa el primero, con un aire fronterizo el segundo y aire folk de íntimos arpegios el tercero. Sin salirse del guión se cuelan matices sonoros, ukeleles, percusiones… también en “Náufragos” rock bailable con espacios para arreglos western de aires espacial, y sobre todo en “Querer sin querer” donde arreglos y percusiones crean un curioso ambiente country que junto a la melodía de voz suena marca diferencias con el sonido habitual.

“Volverás” también marca distancias, en este caso con un teclado minimalista que la hace intrigante, reforzado con una galopante de sonido “stoner”, marcando la transición al final del disco donde se imponen los sonidos y el ruido En “El pozo (mejor morir de sed que ir a lo fácil nº12) la melodía pop aun asoma en la primera parte de la canción pero el sonido se va desfigurando hasta enlazarse con la siguiente “Muerte de un ampli” donde los granadinos se desbordan en borbotones de ruido oscuro a lo “El columpio asesino” (habla además de uñas y chucillas de afeitar).

Anécdotas finales al margen, los granadinos salen reforzados tras su exitoso “Las noches de insomnio” (2010) y su gira de 15 aniversario. En lugar de tomarse un descanso se embarcan en un disco de letras marcadas por la desilusión vestida de luminosidad. Un muestrario de tragedias individuales y colectivas exorcizadas en festiva catarsis del resentimiento.

SOS 4.8 2012….Comienza la temporada de festivales!

Llegamos a Murcia el miércoles con un tiempo espléndido, solazo. Este fue el primer punto a favor del evento. Igual que hubo quejas sobre el coste de los horarios y sobre los tickets de bebida por día, hay que agradecer a la organización la estupenda idea de regalar cerveza a los asistentes que recogieran su pulsera el jueves por la tarde. Esto animó bastante y contribuyó a que el viernes no hubiera tremendas colas. Eso, y …claramente, el infravalorado cartel. No era tan popular e irresistible como en ediciones anteriores, pero había calidad. Por lo que había menos asistentes, pero prometía.

Viernes. Llegamos pronto, las tradicionales cañas alrededor del recinto, y para dentro!. Comenzaba Nacho Vegas. Nos enseñó muy bien a hacer su “Crac“, con impetu y la melancolía que le caracteriza. Pero el escenario se le quedó muy grande, todavía muchos SoSers estaban de camino.

Los siguientes en aparecer fueron The kills. Todos teníamos la misma curiosidad: siendo 2 personas, llenarían el escenario??? Pues sí, de sobra. Puesta en escena sobria, minimalista como sus canciones, pero acertada: de fondo, 4 percusionistas. El sonido impecable de la guitarra de Jamie y la sensual voz de Alison hicieron que disfrutáramos de sus temazos. Se echó en falta algunas canciones como “Baby says“, pero su directo es muy bueno.

Después tocó The New Raemon, que nos ganó con sus canciones hechas con tan buen gusto. El comienzo de “Lo bello y lo bestia” con su “Cualquier día de estos…“, produjo conmoción. Y todos coreamos canciones como “Tú, Garfunkel”, “La Cafetera” y “Te debo un baile”.

Después, nuestra intención era ver Friendly Fires, pero de camino, nos depistamos, cosas del directo… Por lo que volvimos al escenario pequeño, donde le tocaba al turno a V. Los más veteranos y seguidores del sonido granaino estaban expectantes. Imposible no sucumbir a la voz de J de Los Planetas. Ingeniosas letras y el buen rollo que transmiten. Pero quedarnos a escuchar “¿por qué no te largas de aquí?”, hizo que nos demoráramos en coger posiciones para el siguiente. Y eso fue una fatalidad. Muchos de los que fueron al festival murciano lo hicieron empujados por los míticos PULP y el escenario principal estaba abarrotado.

Leyendo crónicas varias, se deja entrever algo que cuesta decir a los grandes: nadie es perfecto…ni éstos, aunque sean British!. Nos gustaron, cómo no. Ya sólo con el carisma de Jarvis, tienen al público ganado. Sus peculiares movimientos y las genuinas parrafadas en su impecable Queen’s English, hacen que no haya duda de que lo que se está viendo un pedazo grupo. Sus hits “…first time“, “Disco 2000″, y el clásico “Common people” hicieron saltar al público. Pero lo que también se apreciaba desde donde nosotros nos encontrábamos, es que en ciertos momentos, la gente se aburría. Saber adaptarse al público es un factor importante y eso faltó. Las grandes estrellas son así.

Gossip cerró esa noche con el derroche de voz de Beth Ditto. Con sus movidas canciones la fiesta estaba asegurada un rato más. Pero sólo fue eso, porque el repertorio es el que que es. Creo que nadie olvidará a la voluminosa cantante vestida con una túnica y voceando su grito de guerra: “Qué pasaaaaaaaaa!!!!”. Eso sí, animó a todos: locas, locos, despistados y cansados. Y como no, mencionar su despedida con el “I will always love you” de Whitney.

La 2º jornada transcurrió con más asistentes que la noche anterior. Comenzamos con YUCK, grupo londinense con un sonido muy garage. Como siempre ocurre, la luz de día, y ser los primeros no ayuda a que el público se entregue, pero sonaron muy bien con su album debut.

Otra actuación muy destacable fue la de Bigott. Ahí estuvo, con sus canciones con ritmo y esa pronunciación tan característica. Concierto impecable. Nos animó a todos, cantando Cannibal.

La actuación de Delorentos fue muy grande. Habían afinado muy bien sus guitarras.Todos sus temas son melodias bailables y marchosas. Y hay que destacar que ellos lo dieron todo al ver que el público respondía. Perfectamente podían haber estado en el escenario principal.

Llegó el turno de otro momentazo esperado: The Flaming Lips, que hiponitizaron al público con su famoso espectáculo. No faltó el confeti, las luces, la bola transparente y las famosas manos. Predecible, pero digno de recordar. El cierre con su “Do you realize?” fue muy emocionante.

Y sin duda, otro gran momento festivalero se vivió con Love of lesbian. No son tremendos pero pocos de sus conciertos defraudan. Éste fue sencillamente una euforia colectiva. Hasta en los momentos que incluyeron sus canciones nuevas, la audiencia no se vino abajo. (Momento que temíamos al tener el precedente del año anterior con los “vetustos” estrenando nuevo disco en ese mismo escenario). El repertorio no ha cambiado, pero es que “Allí donde solíamos gritar” y “Club de fans de John Boy” ya son himnos y todo el mundo los quiere cantar.

El broche de oro lo hubieran puesto los conciertos de la plaza de Las Flores , que tanto gustaron el año pasado. Pero esta vez fueron sustituidos por un frío autobús-escenario en otra plaza que, junto con el cansancio, no invitaba nada. Además, Maika Makovski hizo “pellas” por causas desconocidas.

Como conclusión, fue una buena apuesta, mereció la pena haber asistido al SOS 4.8 2012.

Y ahora… que llegue el siguiente festival!.

Por Bea García Martínez
Foto – Pulp – Tomas Peñalver
Foto – The Kills y The Flaming Lips – Diariopop

En el 2009, Xoel se encuentra en su cima artística y antes de morir de éxito acertadamente decide para y bajarse del frenético circo en que se había convertido Deluxe. Se asienta en Buenos Aires y desde allí empieza de nuevo, viaje por Sudamérica y toca en garitos pequeños acompañado únicamente de su guitarra ante un público que no tiene ni idea de quien es. En 2010 vuelve a España temporalmente para presentar en gira su nuevo proyecto “La caravana americana” donde participa junto a unos 30 músicos que ha ido conociendo en sus viajes.

Este Atlántico, lógicamente recoge influencias de aquí y de allí, pero no es un disco de “mestizaje” como pudiera indicar esta portada que despista con su forma y colores. No es tampoco un disco de ruptura, pues aquí encontramos  sonidos ya expuestos en algunas canciones de Deluxe y sobre todo en Lovely Luna donde Xoel componía sin limitaciones. No se pierde tampoco ese aire agridulce en las melodías de voz que caracterizan y dotan de personalidad a sus canciones ni esa facilidad para los coros y estribillos pop (aunque no se abusa de ellos).

Lo que realmente ha cambiado es la actitud del artista ante las, desparecen las guitarras eléctricas y la sobrecarga instrumental, además de los arreglos con exceso de producción. Manda el arpegio y algún que otro arreglo orquestado muy matizado. Los textos son ahora el verdadero protagonista, vestidos principalmente por la acústica y voz de un Xoel que se esfuerza cada vez más en los tonos y melodías. Letras que hablan de un artista en madurez compositiva que recogen sus experiencias de norte a sur del continente, reflexiones propias y otra más universales.

“Hombre de ninguna parte” ejemplifica bien el disco, jugos melódicos de voz, guitarras arpegiadas, nítidos arreglos orquestales, coros  y aires de pop. “La gran montaña” ¡ paradójicamente !suena  mediterránea donde nos cuenta una progresiva historia con una leve grandilocuencia a los Serrat. “Poe el viejo barrio (plegaria)” y “Tierra”, emocionan con esos ambientes nostálgicos, que no tristes, aderezados de coros y melodías esperanzadoras habituales de su etapa anterior. “Buenos Aires” también atrapa con ese evidente espíritu del sur que tan bien representa Calamaro en sus momentos de inspiración. “De piedras y arena mojada” está dominada por sutiles ritmos entre África y el Caribe… pero se impone el pop en las melodías.”Desafinado pop” despista con un estallido de pop sincopado. “El asaltante de estaciones” vuelve a recordar esas melodías pasadas, pero no pasadas de moda, que recuerdan a Vainca Doble… y algunas canciones más para cerrar este disco de “estreno”

Un disco hermoso, y sincero que refuerza al artista en su compromiso musical, pues si es difícil llegar al éxito fuera de los circuitos comerciales, más fácil es acomodarse en la inercia del mismo. Justo lo contrario a lo que ha hecho Xoel.

Por El Confiscador de Sonajeros

Matana Roberts y Le Parody en La Faena II el Lunes 30 de Abril.

Esta es una historia de novela negra, de suburbios y calles desiertas, de una noche oscura en un  polígono industrial sobre el que cae incesantemente la lluvia que tiñe de gris esta primavera. Esta historia comienza en la Faena II, local insignia del colectivo BRAMA ARG!, al que se llega a través de un callejón sin luz, que se apenas se vislumbra entre las luces mortecinas de las naves de Suances…

…Era Madrid pero podría haber sido Chicago o Nueva Orleans, era la Faena II, pero podría haber sido a orillas del Mississippi, o cualquier garito maldito de Brooklyn… porque como en las buenas novelas negras la banda sonora corre a cargo de un saxofón, y una mujer que vino a hacerlo sonar violento y destemplado entre las chimeneas industriales.

Esta historia de noche oscura y mágica, corre a cargo de Matana Roberts y Le Parody, jazz de vanguardia y quinqui folk granaíno para trasladar nuestro epicentro emocional a este curioso espacio ganado entre almacenes, fábricas y camiones de carga y descarga.

Le Parody es el proyecto personal de Sole Parody, su Ep de presentación en sociedad “Párala Vértigo”(Autoproducido, 2011) tuvo muy buena acogida entre la prensa especializada , siendo nombrados como una de las grandes revelaciones para el 2012. Efectivamente Le Parody es un revulsivo dentro del mapa maquetero actual, que con un ukelele, una trompeta y un sampler compone inteligentes canciones, llenas de loops, y encanto. En directo los efectos de la grabación, suenan más atrevidos y sorprendentes,  arreglan las canciones de la maqueta y se le conceden más minutos de protagonismo a Frank, trompetista de Le Parody, experimentado músico que sabe como acompañar con largas notas, las hipnóticas composiciones de Sole.

El salto artístico dado por Le Parody desde sus inicios hasta ahora es notable, con una puesta en escena en la que han ganado mucha confianza y más repertorio. Escuchando sus nuevas canciones,  en las que los loops y sonidos se retuercen y redoblan, alcanzando mayores grados de intensidad, una se da cuenta de que ese sampler dará mucho de que hablar en el futuro, y que no le andan muy lejos a artistas como El Guincho.

Siempre exquisitos se lucieron con canciones como “Desiertos del Oeste” o “Pity party (Qué pena más grande)”.Si bien el público se mostró frío y canciones con tanto ritmo fueron poco bailadas, su propuesta gustó en una Faena que estaba expectante por ver aparecer a Matana Roberts, la saxofonista de jazz de vanguardia que venía a presentar su último trabajo “COIN COIN Chapter One: Gens de couleur libres” (Constellation Records, 2011).

Matana se sienta en un taburete, y el público se agolpa a su alrededor, dificultando mucho la visibilidad, hay mucha expectación  y se nota. Es la primera vez que viene en solitario a España, y la gente no sabe cómo va a conseguir Matana que suenen sus canciones armada tan solo de su saxo y tres micros con reverbs y delays. Pero ella comienza a tocar salvaje y despiadadamente “Rise” y consigue con una canción de 10 minutos lograr que todos contengan la respiración de estupor. Brutalidad y dulzura a partes iguales en larguísimos solos de saxo, en los que no deja de lado esa capacidad de improvisación que le ha hecho tan famosa.

Pero sin lugar a dudas la noche alcanza un momento épico cuando Matana pone al público a cantar cual negros esclavos en los campos de algodón, el “Libation for Mr.Brown:Bid em in…” el público recita “Bid em in,  get em in, bid em in”  una especie de adaptación al acento sureño de “beat them  in, get them in, beat them in” (golpéales hasta los huesos) y sobre esa base rítmica creada por el público, Matana comienza a cantar y a tocar, entre el público suenan dobles voces y agudos y sorprendentemente todo encaja, la sensación de unión artista y público es total. Matana consiguió lo que buscaba con su disco, acercarnos los tiempos de la esclavitud haciéndonos sentir parte de ello a través de la música.

Desgranó otros éxitos de su disco como “Pov Piti” en el que Matana combinaba gemidos con tartamudeos de forma apabullante demostrando que sus composiciones logran transmitir ese desconcierto, miedo y violencia que supone la falta de libertad. Alcanzar tales grados de locura genial sólo está al alcance de unos pocos.

La noche seguía lluviosa y gris, como en las buenas novelas negras, sonaba el saxo en un callejón oscuro donde cualquier crimen podía ser posible, y allí sucedió la magia, entre unos pocos, entre naves, en un rincón perdido de la ciudad las notas de Matana se quedaron flotando en el aire y nosotros volamos con ellas.

www.matanaroberts.com

www.myspace.com/leparody

Por Janos Miriayi

Foto Le Parody por Janos Miriayi

Foto Matana Roberts por Thien V

Chris Cornell, Matt Cameron, Ben Shepperd y Kim Thayil presentaran su primer tema inédito de Soundgarden en 15 años.
“Live To Rise” incluída en la BSO de la Película “Los Vengadores” de Marvel.

DCODE FEST: PRIMERAS CONFIRMACIONES

Berri Txarrak en los conciertos de Radio 3 presentando su nuevo disco “Haria” media hora de su potente directo.

Pincha en la Imagen para ver el Concierto.

A este huraño “outsider” del sueño americano hijo de emigrados polacos, le conocimos en Europa gracias a la espléndida película de igual título, dirigida por Robert Pulcini y Shari Springer Berman y protagonizada por Paul Giamatti y el mismo allá por el 2003. Se presenta ahora el tercer volumen de la antología que recopila gran parte de la serie (aunque no toda) a la que dedicó casi toda su carrera artística.

Episodios rigurosamente autobiográficos, dibujados por diferentes autores: Frank Stack, Joe Sacco, Ed Piskor… y entre los que no faltan Gary Dumm y Greg Budgett que ilustraron sus primeras historietas a finales de los 70′. También encontramos un breve episodio ilustrado por Robert Crumb, quizá el que mejor ha reflejado en sus dibujos el espíritu de los guiones de Pekar, pero en este volumen se documenta el periodo 1993-2004 lejos ya de los años de colaboración más fluida.

Pekar guionizó prácticamente toda su vida y en los años que ocupan este periodo encontramos aspectos ya conocidos, como su aburrida vida cotidiana como archivero del hospital de su Cleveland natal (retratando el declive de la ciudad industrial en la que siempre vivió), sus obsesiones neuróticas: viajar, perder las llaves, llevarse bien con su mujer… su afición al jazz y a los comics y su insistencia por dedicarse profesionalmente a ello… todo ello le lleva a un agobiante existencialismo vital, con el miedo al futuro como enemigo constante en forma de dinero como tabla de salvación teórica para frenar sus males. Si a ellos le añadimos, un cáncer… curado pero con duras secuelas: operaciones de cadera provocada por la quimio y radioterapia, miedo a la recaída… el panorama no parece muy halagüeño. La enfermedad le marcó y varias historietas insisten en este tema.

Una de las historietas centrales y algo más largas “Transatlantic comics” marca su descenso a los infiernos y a la vez parece ser el revulsivo para salir adelante. Es una carta inacabada que le escribe una persona con síndrome de Asperger (autismo) hablándole de su durísima existencia. La reflexión e identificación con el personaje remueven a Pekar pues a partir de ahí los episodios resultan más luminosos.

Nos encontramos en el resto de historias a una Pekar maduro, con una hija adoptiva en edad adolescente que más que desestabilizar su mundo lo equilibra, con el estreno de la película ya aludida y con los viajes promocionales por buena parte del mundo viajando con su mujer y su hija (Australia, Japón, Europa..) con los premios “Sundance “2004″ y cierta fama en el mundo “underground” que aunque le reportan seguridad, no le tranquilizan, sabe que la fama se irá… y volverá el presente en forma de futuro a rondarle la cabeza.

En esas se mueve su obra… y su vida, entre las más oscura de las pesadumbres y la ironía más mordaz.

Por El Confiscador de Sonajeros