Sonidos Indies Pop en español donde conjugan voces masculinas y femeninas que le dan esa atmósfera de felicidad a sus temas aunque a veces sus letras no lo sean tan felices. Perteneciente a la nueva horneada de grupos Madrileños que están dando que hablar.
Ya tienen preparada su gira para estos meses venideros y aquí las fechas confirmadas hasta el momento destacando su aparición en el Festival Contempopranea o en el Subterráneo de la Sala Costello.

Viernes, 24 de febrero: Madrid (Sala Costello)
Jueves, 22 de marzo: Toledo (Sala Picaro)
Viernes, 4 de mayo: Pontevedra (Sala Karma)
Sábado, 5 de mayo: Vigo (La Casa de Arriba)
Viernes, 15 de junio: Vilagarcía (Sala Samá Samá)
Sábado, 16 de junio: Sarria (Sala El Bosque)
Martes, 26 de junio: Zamora (Auditorio Ruta de la Plata)
Jueves, 19 de julio: Alburquerque (Festival Contempopranea)

Tras el disco de versiones del 2010 “If I had a hi-fi” nos encontramos con nuevas canciones de de Nada Surf, lejos quedan ya las que formaban “Lucky” en 2008. El trío neoyorkino lleva más de quince años tocando juntos y eso se nota, por lo que para este disco se atreven a grabar las canciones en toma directa y todos juntos en el local de ensayo. Ganan los ritmos en esta grabación sobre todo las baterías de Ira Elliot, mucho más marcadas aunque también los bajos de Daniel Lorca, más oscuros que en otras grabaciones. Sobre ellos la voz de Matthews Caws, que sigue manteniendo la capacidad de adaptarse a diferentes más ambientes, melódicos y maduros unas veces, febriles y juveniles otras…

Atemperados los ritmos más acelerados desde hace ya algunos discos, siguen manteniendo el espíritu desenfadado de sus primeros, consiguiendo así un sonido propio en esta esplendida madurez por la que transitan. Las melodías de voz se ajustan a la perfección a esas cadencias que van entre los medios tiempos y los tiempos más lentos. Un toque de épica ligera los sitúa en el difícil terreno de las bandas que suena a ellas mismas.

Comienza el disco de forma enérgica con la potente “Clear eye clouded mind” y en esa línea se mueven también canciones como la jovial y alborozada “Locking through” o “Waiting for somethig” y “The moon is calling”, aunque en estas últimas se aprecia un corte más melódico. También encontramos los parajes más sosegados en “When I was young”, “Let the fight do the fighting” o “Jules and Jim” con la que homenajean la película que Françoise Truffaut filmara en 1962, una de las canciones más emocionante con un aire costa oeste años 60 con las melodías de los Byrds como bandera. “Teengae dream” también coquetea con los aires “sixties” donde la voz en ocasiones se hace coro. Cierran con “No snow on the mountain” y “The future” donde las melodías se sitúan esa delgada línea entre lo agrio y lo dulce, eso si con ganas de repetir y volver a degustar dichas sensaciones.

Con más de quince años de carrera, discos como este les siguen consolidando como banda de larga duración con sus diferenciadas etapas de juventud y madurez, y es que estas cancines suenan atemporales y por tanto… duraderas.

Por El Confiscador de Sonajeros

Fiesta, fiesta, fiesta: eso son Buraka Som Sistema en directo.
 
Imposible no bailar, no sudar, no saltar, no despeinarse, no enloquecer, no electrificarse.
 
Explosiones de júbilo colectivo, confeti y pistolas de agua eyaculando sobre el personal
  enfervorecido.
 
Sonido kuduro, cu duro, culo duro, hecho de afrobeat, ragga, funk, grime, breakbeat, hip hop…
  Mucha negritud.
 
Totally Burrako, totally juerga, totally progressive, totally trance. Let’s get physical.
 
Aromper la pista de baile. Los prejuicios, las vergüenzas y los abrigos, en la puerta.
 
Cuando el esqueleto de tu vecino veas mover, pon el tuyo a danzar.
 
Avisados quedáis. No os los perdáis si tocan cerca de vuestro planeta. No hay excusas.

 

 
Por Blanca Lacasa
Fotos Juan Carlos Quindós de la Fuente

Los californianos Dawes son dignos herederos de Crosby, Still, Nash & Young, además de grandes revitalizadores de la escena del Laurel Canyon junto a Jonathan Wilson. Jackson Browne lo sabe y ha compartido escenario con ellos en varias ocasiones.

Los californianos Dawes, considerados los grandes revitalizadores de la escena angelina de Laurel Canyon, regresan a nuestro país para presentar en directo los temas de su esperado segundo trabajo, ‘Nothing is Wrong’. Un álbum que sigue una línea ascendente tras las excelentes críticas de su debut, ‘North Hills’. Además, en sus tres fechas dentro del ciclo Heineken Music Selector, estarán acompañados por el texano Robert Ellis, nuevo talento del country rock.

La banda, comandada por el carismático vocalista Taylor Goldsmith y secundada por su hermano Griffin, Wylie Gelber y Tay Strathairn, ya dejó un excelente sabor de boca en el marco del 46 Heineken Jazzaldia con su reconfortante sonido folk-rock americano de siempre. Una auténtica joya de directo para todos los asistentes. Considerados como dignos herederos de Crosby, Still o Nash & Young y tras servir como banda de directo a una leyenda como Robbie Robertson (The Band), Dawes regresan a España con su segundo álbum, ‘Nothing Is Wrong’. Un disco producido por Jonathan Wilson en el que añaden un extra de rock’n’roll americano, legado de nombres como Bruce Springsteen, Tom Petty o Bob Seger, y que cuenta con la colaboración del gran Jackson Browne. ‘Nothing is Wrong’ fue grabado íntegramente con equipos analógicos en Laurel Canyon, consiguiendo un sonido genuinamente vintage donde las guitarras, las armonías vocales, las melodías y las letras van directas al alma del que escucha. La banda se encuentra actualmente trabajando en el que será su tercer disco, que esperan que pueda ver la luz en septiembre u octubre de este año. Dawes contará con la compañía del jovencísimo Robert Ellis para calentar el ambiente antes de sus conciertos de Madrid, Valencia y Vigo.

Puro rock and roll americano con Dawes, una de las bandas que mejores críticas está cosechando en los últimos tiempos y que promete altas dosis de euforia en directo, dentro del ciclo Heineken Music Selector.

29 Febrero – El Sol – Madrid
1 Marzo – Sala El Loco – Valencia
3 Marzo – La Iguana Club – Vigo

Entradas a la venta

Buraka Som Sistema se basa en los productores Lil’ John, Dj Riot, Conductor y MC Kalaf, pero cuenta entre sus filas a una familia extensa de bailarines y MCs de alrededor del globo. Todas las caras forman un mismo híbrido en forma de ataque y que esclaviza la música Angolana nativa, el Kuduro junto a los ritmos funk más duros provenientes de los guetos.

Su sonido proviene del inmigrante angoleño en Portugal, aunque sus sacudidas no sean exclusivas del kuduro y se pueda seguir el rastro del grimey más urbano por dentro y el alocado crunked por fuera.

Estarán presentando su último disco Komba
Puedes Escuchar a Buraka Som Sistema en Spotify

C.W. Stoneking, es un músico que encuentra su influencia en la música de principios del siglo XX, el blues de la pre-guerra, jazz, folklore, el calipso de los años 20 y por supuesto su propia experiencia personal. En sus originales canciones se acompaña de su guitarra National Resophonic o su banjo tenor, y también con su banda de vientos, la ‘Primitive Horn Orchestra’.
Un abanico de canciones que varían desde el grito del blues de los campos rurales hasta los duetos del blues hokum

Sábado 18 FEB ’12

Sidecar
BARCELONA
puertas 22.30h

Domingo 19 FEB ’12

Wurlitzer Ballroom
MADRID
puertas 22h

precio ant: 15 euros
precio taquilla: 18 euros
www.ticketmaster.es

Escuchalo a C.W. Stoneking Spotify

Los australianos llevan más de 35 año de carrera generando tanto discografía como bibliográfica (en tinta impresa sobre todo a partir de los 80’ cuando dan el salto al rock de masas). La más reciente es ésta que firma el periodista y escritor británico Phill Stutcliffe, uno de esos tomos de tapa dura y hojas amplias de esos que no te puedes llevar a leer a la cama si no quieres morir aplastado.

La información aquí recogida no será nueva para los fieles seguidores de la banda de los hermanos Young. Tampoco encontrarán chascarrillos personales ni curiosidades de las vidas de sus miembros (AC DC siempre se han preservado bien en ese aspecto), pero si encontrarán una minuciosa y contrastada documentación en todo lo relativo a canciones, grabaciones, actuaciones… de la banda a lo largo de su trayectoria. El autor no deja cabos sueltos y con pelos y señales referencia en lugar y fecha las declaraciones que en el libro aparecen, sobre todo las de los principales implicados, Angus y Malcom Young. Un auténtico trabajo de arqueología que rastrea por la infinidad de entrevistas y reportajes que ha generado la banda australiana de origen escocés.
Son de mérito también la inclusión de críticos invitados que analizan los diferentes discos que, en algunos casos, no coinciden con lo expuesto por el autor de la obra. Se exponen distintos puntos de vista esenciales para que al final el lector se escuche de nuevo los discos y decida por si mismo.

Para la etapa de gloria de la banda “Highway to hell” (1979) el último con Bon Scott, “Back in Back (1980) o “For those about to rock (we salute you) (1981) se reconoce el éxito comercial pero se incide también en que los cambios en la producción (Robert John “Mutt” Lange sustituye en ellos al habitual dúo Harry Varda – George Young) provocan un alejamiento de los planteamientos iniciales más rudos y básicos de la banda.
Distintas apreciaciones entre críticos invitados y autor atañen también a alguno de sus discos más discutibles como “Flick on the switch” (1983) o Fly on the well” (1985) de escaso éxito en ventas y criticas pero defendidos como discos en los que experimentan con el “heavy” más que con el “hard rock” no entendidos en el momento. Algo de lo mismo ocurre con los análisis de los discos más recientes “Ballbreaker” (1995) o “Stiff uper liff (1999).
Cabe destacar el trabajo gráfico, un diseño atractivo y ligero en el que abunda gran cantidad de imaginería de la banda salpicada por todas las páginas y sobre todo… la gran cantidad de fotos de sus actuaciones, muchas de ellas inéditas.

Para los aficionados jóvenes es una buena herramienta de ayuda para adentrarse en su discografía de una manera amena pues aunque la documentación es concisa no se hace pesada ni repetitiva, sobre todo la de los años 70′ lejana ya en el tiempo pero fundamental para seguir la evolución de la banda. Un detallado epilogo discográfico y videográfico ayuda también al final del libro a adentrarse en la obra de los reyes del riff cortante y afilado.

Por El Confiscador de Sonajeros

Travesías con Maïa sobre las estrellas

Trajo de su mundo instrumentos de juguete,
ligera y clara, Maïa Vidal se puso a tocar

el arpa, el alma

Recién convertido en noche el domingo, con ese silencio de reposo y entregado a este viento frío de febrero, aguardaba con una voz mecedora el patio de La Casa Encendida. Entonces subió un hada al escenario con dos amigos y entornó los ojos. Buenas noches Madrid, es nuestra primera vez aquí.

Maïa Vidal viene de muy lejos, aunque no es de este mundo. Le suben por su vestido blanco de gasa raíces de tres continentes (de América, de Asia, de Europa) que puso a dar frutos en Barcelona hace ya tres años. Pertenece a una mañana fría de rocío o a un té al sol en el campo. Sonríe como si siempre hubiera motivos. Ha titulado God is my bike su primer disco como Maïa, puesto que antes hacía otras cosas, entre ellas, estudiar Bellas Artes en Canadá o vivir en Nueva York.

Debe ser por eso que la música que crea es como para ponerse a pintar. O a leer una tarde en calma. Leer la tarde o leer un libro. Con un acordeón que acuna y cascabeles que puntean. Con un xilófono de tiempos mejores y tambores marcando el rumbo de la travesía festiva de I’ll sail all night. Melodías que recorren despacio lugares y décadas, desde un vals para inaugurar un disco hasta un cincuentero follow me que da ganas de seguirla hasta sus próximos conciertos en Japón.

Profundamente delicada, deja que se escape todo el alma cuando canta. Y emociona porque ella misma se emociona, hasta el punto de que tras cada canción, se escucha un par de segundos de silencio tras el último acorde. Como si todos, en comunión, aún estuvieran saboreando tanta belleza.

Como reflexionando bien antes de saber cuánto tienen que dar las gracias.

Para que no falte nunca.

Por Martín Hernando

Sábado gélido en Madrid. En lugar de quedarnos en casa, comer un plato caliente y pasar una plácida tarde pegados a la estufa, decidimos acercarnos al Enofestival, primer festival de música independiente y cultura enológica. Se trata del hermano mayor de unos eventos que los organizadores comenzaron a organizar un par de años atrás. El concepto es sencillo, pero no por ello poco atractivo: conciertos en directo aderezados con vino. Si en anteriores ocasiones el marco era una bodega, y actuaciones íntimas y acústicas, en este caso se trataba de una sala de amplio aforo, actuaciones completamente eléctricas, y catas de vino realizadas por diversas bodegas, llevadas a cabo en los tiempos muertos entre concierto y concierto.

Nos perdimos al grupo de apertura, Modelo de respuesta polar, y, para cuando entramos al recinto, Christina Rosenvinge había comenzado su actuación; sonaba “La distancia adecuada”. Christina estaba acompañada de Raül Fernández (Refree) a la guitarra, y una violonchelista. El repertorio estuvo centrado en el disco que la devolvió al primer plano de la música independiente patria, “Tu labio superior”, en menor medida en “La joven Dolores”, e incluyó alguna incursión en su etapa con los Subterráneos. Buena señal para alguien que lleva más de 25 años en esto de la música (“Chas y aparezco a tu lado” data de 1987) centrar un concierto de repaso a su trayectoria en sus dos trabajos más recientes. La propia Christina confesó que la habían sacado de la cama para actuar, y ciertamente nosotros estábamos casi en las mismas. Sin embargo, su dulzura nos encandiló en canciones como “Mi vida bajo el agua”, “Anoche” o “Canción del Eco”, con la que se cerró un concierto que hubiéramos prefererido en otro horario.

Pronto descubrimos que los organizadores habían decidido llevar el concepto enológico hasta sus últimas consecuencias; en las barras vendían sangría, tinto de verano, rebujito y zurra, pero no cerveza, lo que provocó las quejas de algún que otro asistente De todas formas, no fueron quejas de gran intensidad, puesto que pronto comenzaron las susodichas catas. Un total de cinco bodegas ofrecieron sus vinos, lo que ayudo de forma importante a elevar la temperatura del ambiente, que se fue caldeando conforme pasaban las horas. El siguiente grupo en tocar fueron los zaragozanos y ex-niñogusanos Tachenko. Hicieron un repaso a su trayectoria y a su último trabajo, el EP “Apúntame a mí primero”, de 2011, del que destacó su versión del “Mediterráneo”, de Joan Manuel Serrat.

Después de un nuevo repostaje enológico, fuimos informados de que Alfredo Pérez Rubalcaba había resultado vencedor en su congreso; era el momento de ver a otros veteranos como los Lobos Negros, que llevan en esto del rock ni más ni menos que desde principios de los ochenta. Su estética y sonido eran bastante diferentes a las del resto de grupos. No obstante, su concierto fue animado, con versiones de Beach Boys, The Jam e Ilegales, incluyendo el uso de instrumentos de percusión poco ortodoxos, como un casco de moto o una botella de vino.

En los últimos tiempos se puede intuir que la velada musical está llegando a su punto álgido cuando parte del respetable decide transgredir la tan comentada ley antitabaco y comienza a inhalar nicotina. Ese punto se alcanzó al inicio de la actuación de The New Raemon.  Era el momento de comprobarlo en directo. La banda, compuesta por un total de siete músicos (batería, bajo, violín, teclados y tres guitarras incluyendo la del propio Ramón, además de su voz), comenzó desgranando “Lo bello y lo bestia”, en una primera parte del concierto centrada en su último larga duración. En mi opinión, el sonido era demasiado denso, en parte por algún problema de sonido, en parte por la cantidad de instrumentos, en parte por falta de concreción en la propuesta. Esto es, las intenciones están claras (lograr un sonido compacto de banda que de proyecto personal, algo así como lo que serían Madee en castellano), pero no acaba de estar del todo conseguido, al menos al trasladarlo al directo. Esto se apreció claramente cuando Ramón interpretó las canciones más celebradas de su actuación, las ya clásicas “La cafetera”, “El saben aquel que diu”, su versión de Nueva Vulcano “Te debo un baile”, y sobre todo la muy coreada “Tú, Garfunkel”, en contraste con las solo correctas interpretaciones de su “Libre Asociación”. De todas formas, un concierto con muy buenos momentos, y un voto de confianza para The New Raemon, que solamente necesita (o necesitan), por qué no decirlo, volver a hacer canciones al nivel de las de su debut, limar estas indefiniciones, y acabar de rematar su propuesta.

 
De definición estilística es justamente de lo que anda sobrado Nacho Vegas. Las apreturas hicieron su aparición en las primeras filas, demostrando que era el concierto más esperado de la noche. Siempre me ha llamado la atención el público de Nacho Vegas. Es heterogéneo y difícilmente clasificable dentro de las etiquetas clásicas. Diría que es un conjunto de corazones abollados conectados entre sí por la evocadora lírica del asturiano. Abrieron fuego con varios temas de “La zona sucia”, que, si bien es cierto que en formato disco no me acabó de convencer, funciona muy bien en directo. “La gran broma final”, “Perplejidad” o “Taberneros” (Esta noche nos vamos a emborrachar) fueron algunas de las más celebradas. Tocaba presentación del reciente EP “Cómo hacer crac”, de el sonaron la muy potente y coreada canción homónima, con frases que se quedaron grabadas para el resto de la noche y parte de la semana (“Solo habrá un nuevo principio una vez consumado el fin”) y la intimista “Marquesita”. Del resto de discos, rescató por ejemplo Dry Martini S.A. (El manifiesto desastre), Dias Extraños (El tiempo de las cerezas), y Nuevos planes, idénticas estratégias (Desaparezca aquí). A estas alturas, me atrevería a decir que Nacho Vegas está en su mejor momento. Tiene suficiente repertorio para prescindir de muchas canciones importantes de su discografía, y aún así la actuación no queda coja. Mención aparte merece la banda, totalmente ensamblada y con un gran sonido. Después de una emotiva y dolorosa “Ocho y medio”, cerraron con “La noche más larga del año” una hora y veinte minutos del que fue para el que suscribe el mejor concierto del festival.

La organización tuvo el detalle de rebajar al 50 por ciento los precios de la comida, momento que aprovechamos para reponer fuerzas, congelarnos definitivamente en la zona de fumadores, hacer vida social, y prepararnos para el cierre de la noche con The Right Ons. La banda madrileña presentaba su último disco “Get it Out”, después de la puesta de largo oficial tres semanas atrás en la Sala Sol. The Right Ons practican una suerte de rock bailable que nos recordó a grupos como Reef y The Black Crowes, bien interpretado y apropiado para el cierre. Tras su concierto, la organización se despidió emplazándonos al año siguiente, aunque bien es cierto que, tal vez por el frío, el aforo no fue excesivo (calculamos unas 1000-1500 personas, más o menos medio aforo). Buen festival, no masificado, con un punto original y al que le deseamos suerte en próximas ediciones.

Por Rafael Casquel
Fotos Christian Guerrero

Cuando leáis las palabras sobre este doble cartel ya habréis tenido acceso a la entrevista que realizamos a Slim Cessna un par de horas antes o algo más de su concierto. De ella, saqué mi opinión reforzada de que es un tipo muy inteligente y con una personalidad que se extiende por toda su banda. Pero antes escribamos un poco sobre uno de sus héroes, hablo de un telonero de lujo, si se quiere llamar así, de nombre John Doe.

Hemos seguido a este hombre continuamente, si bien no con asiduidad, sí hemos estado al tanto de todo lo que cocinaba en forma de canciones. Lo llamo telonero sobre todo porque me pareció que fue la actitud que tuvo de enfrentar su concierto, cosa que no es mala pero nos perdimos al tipo de actitud brillante que domina el concierto, no solo con su palabra sino con su actitud de perro viejo, justo lo que ocurrió en su actuación del pasado Rocky Mountains junto a The Sadies.

Eso no quita para que yo disfrutase de un concierto repleto de varios de sus temas más redondos. John Doe es un clásico, tal vez underground a nivel de público pero no así respecto a otros artistas, solo tenéis que ver toda la gente que ha querido colaborar con él, tanto joveznos como artistas con los que probablemente ha compartido viejas batallas: Kristin Hersh, Smokey Hormel, Neko Case, Dan Auerbach, Dave Alvin, Steve McDonald, etc

En Caracol tiró del repertorio fundamentalmente de sus últimos discos y de una formación peculiar si se quiere, en la que se disfrutó mucho de la pedal steel, la danesa Maggie Bjorklund, reconocidísima incluso en U.S.A y también de una cantante femenina que ayudó a John a acercar a su formato de estudio canciones-dueto como son “Highway 5” o “Ready”, la primera de ellas, de mis preferidas del concierto. Me resultó interesante descubrir precisamente que Maggie con su pedal steel casi parecía hacer el efecto contrario, conformar unos arreglos en algunos temas que lo alejaban de sus hermanas de estudio, como por ejemplo ocurrió “There´s a Hole” que perdió su contundencia a favor del delicioso sonido sacado de las cuerdas de la steel.

Por otro lado, el formato fue muy parecido a lo que podemos encontrar en sus discos de los últimos años, canciones de una actitud más punk y otras en las que John Doe puede llegar a sonar como soberano baladista, de forma absolutamente positiva, como fue el caso de “The Golden State”, por ejemplo. Sigo pensando que John Doe tiene una voz muy personal y con una capacidad muy fina de transmitir sentimientos y precisamente puede que sea en estas canciones de matices más relajados donde se puede apreciar mejor.

En resumen, atendiendo a lo puramente musical, una gozada de telonero, sobrio y simpático. Ojalá, hubiese tenido más tiempo para desarrollar el concierto al completo.

Por otro lado, eso es lo que hicieron precisamente Slim Cessna´s Auto Club. Tras verles en el festival ACTUAL, con una versión reducida de su repertorio, el hambre de sus canciones era aún mayor. En Caracol ofrecieron en hora y media una versión más oscura (sobre todo por algunas perlas que no llegaron a interpretar en Logroño) y más macarra.

La versión en directo de Slim Cessna´s es sorprendente y diría que disfrutable hasta para aquella gente que no conoce su música e incluso a la que ésta no dice nada en disco. Ello es fundamentalmente porque tanto su líder, como su mano derecha Munly Munly aportan desde el underground un concierto teatral, íntimamente ligado a sus canciones y probablemente también a su forma de pensar. Eso es muy bueno, dos tipos que parecen muy diferentes, con muchos puntos en común que de alguna forma se influyen para intentar darse caza de alguna forma, una especie de autos locos cuya competición es alcanzar un clímax mayor. Algo de lo que puede ser simbólico cuando pelean por llevar el micro cada vez más alto en la canción “That Fierce Cow Is Like Common Sense in a Country Dress”, algo que hicieron (lo del micro) en Logroño, no así en Madrid.

Por otro lado, a nivel musical, por no hablar de las voces, que es obvio, en su última visita, me he dado cuenta de lo fundamental que es su guitarrista Dwight Pentacost. Con su doble mástil, unas veces funciona como apoyo fundamental de las canciones, para que estas no se pierdan y en otras ocasiones crea el ambiente perfecto para que la festividad más absoluta se transforme en oscuridad. En estos casos, muy bien acompañado por Robert Ferbrache con los teclados. Me encantó, por ejemplo “Jesus is in my Body”, porque demuestra lo que ya demuestran sus discos, que en su estilo no hay una sola lectura, que su música es muy amplia y que, si bien se puede bailar, también se puede disfrutar de una forma muy diferente. Si hubiese que hablar de auténtico clímax, como ya hemos dicho, me quedo con esta.

Esta vez sí, pudieron introducirse entre el público unas cuantas veces, para disfrute de este, e incluso llegaron a ponernos de rodillas. Me sigue pareciendo fundamental, no ya que tiren de gospel, si no que haya una actitud completamente punk en su forma de actuar, que transmite energía de forma que se genera adrenalina.

La festividad más absoluta puede llegar de dos formas. Haciéndonos bailar, siendo este el caso de “Hold my Head”, donde te hacen mover los brazos a su son, cosa casi imposible de pensar al escuchar el comienzo de la canción o con lo que es su clásico final, el temazo que cierra su obra The Bloody Tenant, estoy hablando de “He, Roger Williams” que les transforma en esos Blues Brothers convenientemente mezclados con Buster Keaton y que te hacen, no solo sonreír si no seguirles cualquier tipo de juego que te propongan.

En definitiva, Dwight, Slim Cessna y Munly Munly han creado un grupo único. Lo es. Si aparte de disfrutar de sus conciertos, puedes hacerlo con sus discos, bien por ti. Quiere decir que has quedado bendecido. Serás de esa gente que se puede pasar horas escuchando a Tom Waits, a Woven Hand, a Kyuss o a P.J. Harvey. Que retoma los discos independientemente de su actualidad y se sigue asombrando con ellos como yo me asombro y disfruto, después de haberles visto tres veces en directo, de lo que oigo y veo en los conciertos de Slim Cessna´s Auto Club.

Por Asier Rodríguez.
Fotos Marta Timón (Slim Cessna´s Auto Club) y Antonio Cancho (John Doe).